Cele mai mari 15 filme ale lui Francois Truffaut

Ce Film Să Vezi?
 

În orice zi aduce o nouă Francois Truffaut film la Colecția de criterii este una bună, deci rezultă că astăzi este o zi bună. Cu toate că fiecare etichetă preferată de cinefile ’; include deja o prezentare din legenda franceză New Wave, cel mai important “;Jules et Jim ”; si Antoine Doinel seria, astăzi se vede lansarea unei noi ediții a “;Pielea moale, ”; un film timpuriu, adesea, subestimat de cineast. Așadar, chiar dacă am rulat o funcție Essentials anul trecut pentru a sărbători relansarea Blu-Ray a „Jules și Jim”, Tindem să sărim cu orice șansă de a scrie despre Truffaut. Am extins această caracteristică aici la 15 titluri, enumerate cronologic (da, creăm o retrospectivă completă la un moment dat).



Truffaut a trecut de la un coleg scăpat la un băiat rău Caiete de cinema critic pentru un cineast apreciat sălbatic înainte de vârsta de 27 de ani și decedat de o tumoră cerebrală în vârstă de doar 52 de ani - în consecință, cariera sa poate părea uneori sumară, chiar dacă genială. Truffaut s-a ocupat foarte mult de lucrarea sa de un sfert de secol, dansând între autobiografie (seria sa Antoine Antoine Doinel), drama crimei, cursul perioadei, comedia vicleană și uneori toate cele de mai sus. Așadar, aruncați o privire prin cele cincisprezece poze ale noastre Truffaut preferate: dacă un singur cititor este inspirat să descopere doar unul dintre aceste filme, astăzi va fi fost un foarte o zi buna.

„Cele 400 de lovituri” (1959)
'Singura modalitate de a critica un film ca de a face un alt film', marele prieten, rival și coleg al lui Truffaut Jean-Luc Godard o singura data
spus. Și pentru a fi corecți, cei doi își pun banii acolo unde sunt
gurile au fost: după ce a susținut stabilirea critică cu munca sa la
Cahiers du cinema în anii ’50, Truffaut s-a mutat în pantaloni scurți cu
1955 „O vizită, ”Și după ce a fost inspirat de Orson Welles' 'Touch Of Evil”În 1958, și-a făcut debutul în lungmetraj cu autobiograficul„ Cele 400 de lovituri ”. În timp ce cuțitele trebuie să fi fost pentru el când a avut premiera la
Cannes, Truffaut a avut cel mai bun răspuns posibil: a făcut o glorie
film, unul care l-a transformat pe regizor de la criticul firebrand la unul dintre
cele mai strălucite speranțe ale cinematografului. Bazându-se pe propria adolescență delincventă,
filmul este primul dintre cele cinci truffaut realizate pentru a se concentra asupra surogatului său
Antoine Doinel (interpretat de Jean-Pierre Leaud, atunci avea doar 14 ani și care l-a cunoscut pe regizor
printr-un apel de casting într-un ziar), aici se confruntă cu cel mai mare necaz din viața sa de până acum, ca dificultăți la
acasă și școala îl duc la încercarea de a-i fura o mașină de scris de la a sa
tată vitreg, ceea ce îl determină să fie arestat și trimis la un centru pentru
băieți tineri tulburați. Un fel de răspuns galic la Tânărul furios
narațiune care a apărut aproape exact în aceeași perioadă de-a lungul timpului
Canalul și Atlanticul cu „Uită-te înapoi în mânie' și 'Rebel fără o cauză, ”
este o imagine profund mișcătoare și umană care surprinde la fel
exact ca orice a fost vreodată efectul hormonilor rampanti când ai împlinit paisprezece ani și îți urăști
părinții, profesorii tăi și aproape toată lumea, în principal datorită concentrării sale puternice cu laser pe Antoine. Prin care ne referim la Truffaut: acesta este în esență cinema la prima persoană, cineastul demonstrând în practică ce a fost
vorbind atât de mult timp în ceea ce privește teoria autorului. Cu distanța,
este ușor de uitat ce petard tehnic trebuie să fi fost - chiar dacă are un buget limitat, Cinemascopul alb-negru arată
minunat, și comanda lui de unde arată camera și
unde taie este imens increzator. Filmul, care a câștigat Truffaut Best
Regizor la Cannes (festival de la care a fost interzis ca critic
cu un an înainte), este dedicat Alt Bazin, marele critic
care a trecut exact când regizorul se pregătea să realizeze filmul și
care a fost atât un mentor, cât și un lucru de salvator pentru el. Toți avem un
motiv pentru a fi recunoscător lui Bazin.

„Shoot The Piano Player” (1960)
Godard a urmat pașii prietenului său în lungmetrajele din 1960 cu „Cu sufletul la gura'
(pe care perechea a scris-o împreună), dar în același an la văzut pe Truffaut să urmeze
debutul cu propria sa poză noir jucăușă, o adaptare a lui David Goodis' roman 'Acolo jos'' Shoot The Pian Player '
este o reacție certă față de „Cele 400 de lovituri” - luate în considerare Truffaut
ultimul film foarte francez și a vrut să-și prezinte dragostea pentru american
cinematograf și lovit împotriva așteptărilor, spunând la vremea aceea „am vrut
va rog tamponii adevarati ai filmului si numai ei, chiar daca acest lucru este insinuat
a oamenilor cărora le-a plăcut „Cele 400 de lovituri”. În cele din urmă, „Shoot The Piano
Jucător, „poate confunda pe toată lumea, dar ce,”. Adevărat cu această afirmație,
probabil că filmul este cea mai experimentată lucrare a regizorului
experimental ar putea fi cuvântul greșit pentru el - este un film jucăuș,
răutăcios și neliniștit și mai comic decât te-ai putea aștepta. Parcela
nominal se concentrează pe cântarea vedetei Charles Aznavour dupa cum
muzician de titlu atras în lumea interlopă pentru a-și proteja fratele,
dar Truffaut nu ar putea fi într-adevăr mai puțin interesat de poveste - nu există
energie liberă, liberă, mai aproape de „Hellzapoppin„” Decât, să zicem, Nicholas Ray.
apucându-se de orice fel de încălcări și bariere laterale iau directorul
extravagant. Probabil spune ceva pe parcursul întregii a doua jumătăți a
filmul este format mai ales printr-un flashback. Ar trebui să se simtă ca clasicul
sindrom al doilea album - indulgent și implicat de sine - dar există
ceva profund infecțios și plăcut în legătură cu imaginea. După ce am ajuns la prima oară cu mediul, acesta este acum un regizor
luarea Orson Welles„proverbiala
best-train-set-a-boy-could-ask-for and building it in loop-the-loops
și tirbușe. Este probabil cea mai mare imagine Godardian a lui Truffaut, în unele
moduri, dar ca și cum Godard ar fi crescut pe Frații Marx și Ernst Lubitsch. Deși eșecul critic și comercial a însemnat că regizorul
Niciodată nu a repetat cu adevărat experimentul său, ADN-ul filmului este prezent în mare parte din ceea ce urmează.

„Jules Et Jim” (1962)
'Jules et Jim' din 1962
este filmul care a lansat o mie de rom-uri și un milion
studiază-peste ani în Paris, cu povestea sa lirică de dragoste
triunghi între doi prieteni (Henri Serre și Oskar Werner) și o fată boemiană de tip freeweling (Jeanne Moreau).
Probabil cel mai popular și accesibil film Truffaut astăzi, câteva
scene - cursa peste podul feroviar, saltul din lac,
refrenul muzical al „On asaest connus” - sunt surse evidente pentru
montaje de capriori delirante care trec pentru povești romantice în multe
a cinematografiei actuale. Dar „Jules et Jim” este, din punct de vedere tehnic și narativ, o notă remarcabilă
un film aventuros și complex, pe care Truffaut, probabil, nu l-a deranjat niciodată. „Jules et Jim” a fost împușcat Raoul Coutard, Cinematograful lui Godard de-a lungul anilor '60, de asemenea Costa-Gavras„Pe “;cu” ;,
și atunci când urmărești acest film, îți dai seama că mai mult decât
oricare dintre directorii New Wave (și în ciuda fidelității lor la
teoria auteur) a fost Coutard care a eliberat aparatul foto și a transformat întregul
senzație de cinema la începutul anilor 60, filmând părți din „Jules et Jim”
dintr-un punct de vedere pe o bicicletă în mișcare. Dar în timp ce stilul este
hiper-modern și vibeul rebel se simte foarte anii '60
inima nedeclarată a „Jules et Jim” este istorică. Jules et Jim's
fondatori de prietenie în parte pe problema Catherinei, dar la fel de mult pe faptul că Jim este austriac, Jules este francez, iar filmul ia
loc înainte, în timpul și după primul război mondial: este uimitor cum
ușor acest lucru este uitat de persoanele care se gândesc la ținutele lui Moreau ca fiind
ultimul cuvânt din anii '60 mișto. Deși prezintă doar câteva
momente de reportaj din tranșee, „Jules et Jim” este unul dintre marile război și
filme anti-război, acolo sus cu „Renoir”Marea Iluzie' și Powell și Pressburger ’;s “;Viața și moartea colonelului Blimp”;
(din care împrumută elementele de bază ale complotului său) ca o declarație asupra
milă și inutilitatea războiului european. Ca atare, este un lucru ciudat
film de modă veche care stă inconfortabil lângă restul Noului
Fanteziile valului de violență revoluționară. Dar este de la asta
fundalul istoriei și al tragediei personale pe care „Jules et Jim” o are
adâncime emoțională profundă, care îl păstrează un film fascinant după mult timp
inovațiile tehnice au fost absorbite în mainstream.

“; Pielea moale ”; (1964)

Al optulea film din Truffaut pentru a primi tratamentul Criteriu, „Pielea moale” este alegerea perfectă pentru reevaluare, mai ales că a împărțit critica
aviz privind eliberarea. Nu m-a ajutat că a urmat unul dintre cele mai multe
alergări spectaculoase în istoria cinematografiei cu ultimele trei trufe ale Truffaut
Funcții regizate solo fiind „Jules et Jim”, „Shoot the Piano Player”
și „Cele 400 de lovituri”. Dar, în contrast cu ebuliența și
experimentarea „Jules”, „Pielea moale” se simte clasic, aproape plictisitor
uneori, se remarcă o abordare meticuloasă, cvasi-procedurală asupra melodramei
pentru privirea ei cool și la nivel de moralitate a personajelor sale. În urma lui Pierre
(Jean Desailly), un cărturar Balzac, căsătorit, de vârstă mijlocie, sărbătorit
în timp ce începe o aventură cu gazdă aeriană Nicole (Francois Dorleac)
Truffaut pare în stăpânire absolută, îmbătând cumva humdrum-ul
episoade cu tensiunea unui thriller și cu cele mai banale schimburi
cu strălucire tăiată cu diamante. Pierre și Nicole (care întâmplător
este subiectul liniei „Tu dors Nicole?”, care a fost împrumutat ca fiind
titlu pentru Stephane lafleurFilmul minunat din 2014 pe care l-am revăzut din Cannes)
reconectați-vă la Paris și dacă ritmurile acestei drame de relații sunt
marcat ca și cum ar fi fost un mister al crimei, „elementul” central este
fără îndoială călătoria lor abortivă la Reims în timpul căreia comicul întunecat
consecințele, inconvenientele și umilințele lor
vizita de situație asupra lor sunt aduse acasă în vigoare. La fel de des, este
detalii interne precum o pereche de ciorapi sau incapacitatea de a fi nepoliticos
o cunoștință iritantă care își scufundă planurile și duce la
emascularea inconfundabilă a lui Pierre ușor pompos. Dar apoi în
în al treilea rând, soția lui Pierre este cea mai neașteptată momeală și comutare
Franca intră în centrul atenției - prinzându-și minciunile, complotând răzbunarea,
urlând la un fluier pe stradă, într-un sunet strălucitor către Nicole
fiind propusă anterior. Dintr-o dată, se simte așa de puțin
filmul experimental este de fapt foarte mult, doar pe o meta-narațiune
la nivel, întrucât abia târziu, Franca apare ca fiind adevărata principală
caracter. Și filmul este doar în punctul de deces
vine să urle cu sânge plin de viață, într-un punct culminant construit pe nerăbdare
transversal care ar face Alfred Hitchcock mândru. Elegant, imperfect
și profund absorbant.

“; Mireasa purta negru ”; (1968)

Bazat ca anul următor ’; s “;Sirena Mississippi”; pe un roman de
scriitor de crime Cornell Woolrich, “; Mireasa purta negru ”; este în mod evident una dintre ofertele pulpier Truffaut ’; s: o poveste de răzbunare pură cu
plumb iconic, pe care mulți l-au indicat drept inspirație pentru “;Omoară Bill”;
(deşi Quentin Tarantino refuzat să fi văzut vreodată). Poza are cu siguranță
un picior în lumea genurilor, dar în mâinile Truffaut ’; se transformă
ceva cu totul mai ciudat și mai bântuitor și, deși nu este
pe deplin de succes, este fascinant, la fel de fascinant. Filmul se deschide cu
Văduva Julie (lovită de durere, neagră)Jeanne Moreau, reunit cu
Truffaut pentru prima dată de când “; Jules et Jim ”;) încearcă să ucidă
ea însăși, fiind împiedicată să o facă numai de către mamă. În schimb, ea
își desfășoară durerea într-o criză răzbunătoare de răzbunare împotriva celor cinci
bărbați (care includ personaje de personaje faves like Michael Lonsdale și Charles
Denner)
care și-a ucis soțul în ziua nunții lor. Ar putea fi simplu
tarif de exploatare și a fost vândut oarecum ca atare, dar Truffaut
complică lucrurile, introducând un element binevenit al ambivalenței morale:
cei cinci bărbați nu erau vizați de regretatul domn Julie, dar l-au împușcat
accidental atunci când te-ai aruncat cu o pușcă încărcată, făcând Moreau ’; s
căutare în mod deosebit de mai umbră decât saga medie de răzbunare (scena din
pe care o sigilează pe bărbatul familiei Lonsdale ’; într-un dulap de sub scări
și îl lasă să se sufoceze este pozitiv oribil). Există și unele
vicleană, dacă este greu de oblic folosirea metaforei în joc, cu fiecare om
reprezentând un mod diferit în care bărbații pot oprima, manipula sau
condescend femeilor, Moreau folosindu-și sexualitatea pentru a-i provoca
pierzanie. Mai mult decât oricare dintre celelalte filme sale timpurii, “; The Soft Skin ”;
inclus, acesta este Truffaut tributând stilului idolului său
Hitchcock (dreapta până la a Bernard Herrmann punctaj), dar el este foarte
un cineast diferit, iar dicotomia nu funcționează destul de mult: Truffaut ’; s au un
stil mai slab și aici cel puțin el nu este ’; t
la fel de interesat să creeze suspansul instrumentat cu precizie al eroului său.
Poate ca urmare, Truffaut a fost de acord cu reacția negativă
a criticilor francezi, considerând că filmul a fost, în cel mai bun caz, un efort compromis
(a fost primul său în culori și s-a confruntat cu DoP de mult timp Raoul
Coutard,
Se pare că nu a dat actorii și tonul
suficientă atenție ca rezultat). Dar, în timp ce, fără îndoială, este ceva mai mult
de unică folosință decât unele dintre lucrările sale, aceasta este încă un amuzant, bogat
imagine cu mult mai mult de despachetat decât thrillerul tău de răzbunare.

„Săruturi furate” (1968)
Truffaut a ridicat povestea lui Antoine Doinel cu scurtmetrajul din 1962 „Antoine și Colette”, Contribuția sa neplăcută la lumina penei la imaginea antologică„Dragoste la douăzeci”, Dar alter ego-ul regizorului a primit următoarea prezentare reală a lungului lungmetrajului de aproape un deceniu de la„ Cele 400 de lovituri ”cu„ Sărutările furate ”din 1968
și s-ar putea să fie doar cea mai frumoasă dintre imaginile Doinel. După ce flirtez
cu ideea de a-l pune pe Jean-Pierre Leaud și personajul său într-un scenariu
cum ar fi „Shoot The Piano Player” sau GodardPartea Bande A' și
a început munca pentru un scenariu aruncat bazat pe primele sale zile din
jurnalism, Truffaut îl face în schimb pe eroul nostru un duh de două ori care se descurcă dezonorabil din armată, plutind între o serie de locuri de muncă
el a fost concediat rapid (inclusiv un punct memorabil ca privat
detectiv) și se învârt în jurul iubitei sale Christine (o încântătoare Claude Jade, care va continua să joace „Hitchcock”Topaz„), În timp ce își poftește și soția șefului său (Delphine Seyrig).
Este un film mai slab și mai puțin concentrat decât „Blows” sau „Antoine &
Colette ”, cu o structură care este ceva aproape de farsă (din nou
Lubitsch și uniform Preston Sturges simțiți-vă prezent sub suprafață și urmărirea ei acum arată că este o influență evidentă asupra „Frances Ha„).
Ajută faptul că Leaud, la 24 de ani, a devenit într-un mod impresionant
executant, care posedă o cronică comică, precum și o capacitate de a face
audiența identifică la fel de bine cum a făcut Truffaut în mod clar. În timp ce este un
continuarea directă a „Cele 400 de lovituri”, ea are la fel de mult în comun spiritual
cu „Shoot The Piano Player”, din captivările noir ușoare ale
scene detective la abrupt, dar complet efectiv, schimbă tonul.
Următoarele imagini Doinel, anii 1970 „Casă și masă”Și„ 1979 ”Love On The Run, ”
merită absolut vizionate la fel de bine, dar personajul este cel mult
încărcată și realizată pe deplin în piesa centrală a secvenței de aici.

„Copilul sălbatic” (1970)
Lăsând în urmă preocupările de gen ale operei sale de la sfârșitul anilor 1960 (thrillerele „Mireasa purta negru' și 'Sirena Mississippi”, Știința-ficțiunea din„Fahrenheit 451„) Pentru a reveni la tema copilăriei, Truffaut este„Copilul sălbatic'
marchează prima sa piesă din perioada în care “; Jules Et Jim ”; și ceva
a unei urmăriri spirituale la „Cele 400 de lovituri”. Ideea unui
un copil necontrolat îl interesase pe Truffaut de ceva timp
(a încercat să obțină drepturile la „Muncitorul Miracol,' despre Helen Keller, la începutul anilor 1960, dar a fost bătut cu pumnul de Arthur Penn) și inspirat de un articol din Le Monde, el a dezvoltat povestea lui Victor din Aveyron (Jean-Pierre Cargol), care a apărut la începutul secolului al XIX-lea, după ce, aparent, și-a petrecut copilăria fără niciun contact uman.
rezultatul este destul de remarcabil - o imagine liniștită, intimă
diferit de orice făcuse cineastul înainte. Scăpând cea mai mare parte
tehnicile pe care le-a popularizat odată cu venirea noului val francez,
în schimb, există o raritate, aproape documentară, în proces
pare mai aproape de Bresson decât lui Godard și o bogăție la
temele care o marchează drept riposte evidentă pentru cei care găsesc
regizor ușor; este un film despre
frumusețea educației, dar totodată o chestionare cu privire la costul la care
educația ar putea veni. Ceea ce face ca filmul să sune mai pedepsitor decât este,
pentru că este plin de frumusețe, căldură și umor, la fel de mult
celelalte filme ale regizorului. Și reușește, de asemenea, să-l facă să se simtă personal,
în parte pentru că, în primul său rol principal de actorie, el se numește ca Dr.
Itard, medicul care îl ia în băiat și a cărui narațiune (adesea
derivat din notele inspirației din viața reală) relatează povestea. Este
nu este însă o atingere egotistică. Deși personajul său este plin de compasiune, filmul lui Truffaut rămâne o atingere sceptică ca atare,
dar castingul arată clar cum să-i fie drag inimii sale filmul, unul dintre
cel mai bun lui, trebuie să fi fost.


„Pat și pensiune” (1970)

Al patrulea film (inclusiv un scurtmetraj) din Antoine Doinel, al lui Truffaut
serie (care a realizat „Copilărie„-Chec truc de actor principal
Jean-Pierre Leaud ca Doinel în diferite etape ale vieții sale, de la tinerețe până la
la începutul anilor treizeci de ani), „Pat și pensiune” continuă în mirosul înfocat
venă de „Săruturi furate” și este cu adevărat izbucnit de cusături
un bun umor infecțios și un joie de vivre foarte similar, chiar și atunci când
Vibrarea nu este ușoară. Aici ne luăm cu Doinel după căsătoria sa cu
Christine (Claude Jade), pe care l-a petrecut în ultimul film curtând în al său
într-un mod shambolic întâmplător, și aici merge despre căsătorie într-un mod similar
moda, ambele clattering fericit în timp ce ea învață vioara
și are o treabă de prostie de vopsit flori pentru un magazin de colț. Evenimente mici și mari au loc: Christine rămâne însărcinată (o revelație livrată
în trei scene simple, care sunt un masterclass în domeniul economic,
povestire serio-comică); Antoine aterizează accidental un nou loc de muncă; A
un vecin sinistru se dovedește a fi un star TV; Antoine cade pentru a
Femeie japoneză (Hiroku Berghauer) și începe o aventură; și Christine
o descoperă. Cu toate acestea, aceste antichități de telenovelă sunt livrate cu inimă, spirit și influențe înregistrate de marca Truffaut: apartamentul
blocul amintește de Hitchcock „Fereastra din spate„; modul în care
vecinii pălăvrăgitori tace când omul sinistru se apropie
direct din LubitschEste „Ninotchka.Dar o mare parte din
Optimismul ireprosabil al filmului izvorăște din farmecul lui Doinel însuși: este atât de capricios și atât de nepătruns de copil, uneori, încât este imposibil
să nu-i placă chiar și atunci când este necruțător de crud față de dragul său,
soare-soție y. Cheia lui Doinel din filmele de după „Cele 400 de lovituri” este
întotdeauna doar atât: el poate fi centrat pe sine și petulant, dar el este
aproape în întregime fără răutate, care este perfect rezumat în scena în care
el părăsește masa amantei sale în mod repetat pentru a merge să se plângă de ea
telefon către soția sa înstrăinată. Există atât de mult spirit, dar și înțelepciune, care oferă „patului și pensiunii” o substanță plină de speranță
sub suprafața sa îngrozitoare: data trecută, Doinel a negociat
capcanele pasiunii tinerești, dar aici Truffaut are o vedere la fel de dulce
de felul relației evocate de imaginea lui Antoine și Christine pur și simplu
citind cot la cot în pat înainte să se aprindă luminile - deși sunt fiecare cărți care citesc
referitoare la obiectele lor pofte secrete, în mod natural.

„Două fete englezești” (1971)
Dat
că „Jules Et Jim” a fost unul dintre cele mai mari succese ale sale, nu puteți da vina
Truffaut pentru întoarcerea la autorul materialului sursă al filmului respectiv, Henri-Pierre Roche
(care a cunoscut 74 de ani când a început cariera de scriitor corect) și adaptarea celui de-al doilea
din cele două mari romane ale sale la ecran. Dar este încă surprinzător că,
în ciuda „Două fete englezești” se învârte, de asemenea, în jurul unei iubiri
triunghi, se simte sălbatic diferit de predecesorul său în timp ce la fel
esențiale în canonul Truffaut. După cum ar putea sugera titlul, de această dată
în jurul poveștii se învârte în jurul unui tânăr și a romanțelor sale cu doi
Femeile britanice - în acest caz Claude (Jean-Pierre Leaud, care are o creație cu totul deosebită de Antoine Doinel), care se ocupă de Muriel Brown, virginal, bolnav (Stacey Tendeter)
numai pentru o separare forțată să conducă la o relație cu ea
sora mai mare Ann (Kika Markham). În ciuda relației sale cu „Jules Et Jim”, acest film abordează la fel de mult o piesă de companie pentru „Copilul sălbatic”, profitând de un cadru de epocă și un
senzație mai liniștită, mai literară, datorită în parte utilizării grele a
narațiune și scrisori. „Jules Et Jim” s-a simțit ca un film despre a fi în film
inima unei povești de dragoste, dar „Două fete englezești” este una mai vicleană
și piesă melancolică, privind în urmă cu mult timp după fapt. Nu că este
lipsiți de pasiune - scena în care Claude și Muriel dorm în sfârșit
Împreună este una dintre cele mai memorabile și atrăgătoare scenete Truffaut
împușcat vreodată. Și, pentru toată melancolia, este foarte amuzant în locuri.
Alături de „Copilul sălbatic”, „Două fete englezești” marchează sfârșitul
Perioada tânărului sălbatic a lui Truffaut, dar dovedește că intrarea sa în
vârsta mijlocie ar putea duce la o muncă la fel de răsplătitoare ca orice a venit
inainte de.

„Day For Night” (1972)
Probabil cel mai mare film despre filmul „Day For Night”
este scrisoarea de pix / otravă a lui Truffaut către
mediu care a dominat viața sa de adult. Este suficient de adecvat, de asemenea
una dintre capodoperele sale din aur solid. Bogat și aproape inedit, filmul detaliază realizarea unei drame de epocă destul de îngrozitoare, numită „Meet
Pamela ”, o filmare atât de plină de dramă și dezastru, încât ar face egal Terry Gilliam
un pic îngrozit, în calitate de regizor (interpretat chiar de Truffaut)
lupte cu probleme atât minore, cât și majore, precum și distribuția și echipajul
afară, despărțiți-vă și faceți-vă unii cu alții. Structură largă fără
fiind gras (este ceva predecesor pentru stilul acela Robert Altman
se dezvolta cam în același timp), este mai aproape de o
zece ani în plus de anecdote decât o memorie definitivă, dar este tot
mai plăcut pentru ea, cu o distribuție de toate vedetele (inclusiv Jean-Pierre Leaud într-o interpretare rară și oarecum meta-non-Antoine Doinel ca un tânăr actor, cel mai bun din carieră Jacqueline Bissetși într-un cameo curios, Graham Greene)
profitând clar șansa de a se transmite pe ei înșiși și pe ai lor
colegi. Puține filme au surprins drama de tediu, înfricoșătoare și săpună
și panică cu cheie scăzută de a face într-adevăr un film mai bun, și încă mai puține
a afișat magia și șmecheria implicată în filmarea unui film chiar așa
hacky și mediocru ca „Meet Pamela” - Truffaut evidențiază artificiul
a propriei sale tehnici chiar în timp ce locuiește pe cea a
film in cadrul-the-film. Filmul s-a arătat neplăcut din favoare
oarecum în ultimii ani, dar așa este
una dintre cele mai bune și plăcute realizări ale Truffaut. Scorul de
colaborator frecvent Georges Delerue este, de asemenea, o încântare.

„Povestea Adelei H” (1975)

„O compoziție muzicală pentru un instrument” a fost descrisă de Truffaut
„Povestea lui Adele H” și nu este nicio afirmație în ceea ce privește centralitatea
a luminoase, apoi de 19 ani Isabelle Adjani în rolul de titlu.
Însă pe baza adevăratelor jurnale ale Adele Hugo, cea mai mică fiică
a renumitului Victor Hugo care suferea de o formă acută de erotomanie (și posibil schizofrenie), care a dus-o la nebunie când obiectul
din obsesia ei a respins-o în urma scurtei lor fugi, Truffaut
filmul este mult mai puțin auster decât ar putea sugera această descriere. De fapt, este o saga de perioadă sălbatică și extraordinar de pasională, care derivă din dragostea care a scăzut maxilarul de la „Zile Raiului”DP Nestor Almendros'
lucrări de cameră imaculate și setul excepțional și designul costumului, precum și de pe chipul remarcabil al lui Adjani: atât de tinere și strălucitoare
chinuit expresiv pe tot parcursul. In timp ce
nu există nicio activitate supranaturală, „Adele H” se simte ca o poveste de fantome,
cu Adele comportându-se ca o femeie posedată, în timp ce își urmărește iubitul locotenent
Pinson (la fel de uimitor Bruce Robinson -da, acea Bruce Robinson care
mai târziu ar dirija „Withnail și cu mine„) De la continent la continent, asumându-și identități false înainte de a părăsi definitiv simțurile ei în întregime
și fiind expediat la azil timp de patruzeci de ani (13 ani mai târziu, Adjani
l-ar juca și pe Camille Claudel, un alt francez celebru instabil
eroina care a trăit zeci de ani într-o instituție mentală). „Adele H” poate
par atipice pentru Truffaut, cu corsetul său, excesiv de expresiv
spectacole care contravin naturalismului modern, intens
mai bine cunoscut pentru. Și totuși, este o comparație falsă similară care susține „Epoca inocenței' nu este o real Scorsese filmul -Truffaut
stilul omagistic este evident chiar și aici (deși poate face referire la
Hitchcock din „Rebecca”Sau„Hanul JamaicaMai degrabă decât oricare altul) și
har fără efort cu care face acest somptuos, puternic înfocat
melodrama atât de compulsiv de urmărit este inconfundabilă. Acum se știe
în mare parte pentru rândul lui Adjani: este prima dintre multe femei nebune
avea să joace în cariera ei distinsă, dar „Povestea lui Adele H”
merită un alt aspect, deoarece se referă la canonul lui Truffaut. Este
probabil cel mai apropiat de care a ajuns vreodată „imaginea femeilor” cu totul
practic se ivește cu o dramă emoțională.


„Mică schimbare” (1976)
Secțiunea de închidere a unei trilogii neoficiale despre copilărie, începută cu „Cele 400 de lovituri” și încheiată cu „Copilul sălbatic”, „Mică schimbare”
este punctul culminant al celor aproape douăzeci de ani de muncă - începuse Truffaut
realizarea de note pentru un proiect care ar combina o serie de povești despre
copilărie la mijlocul anilor '50 (scurtul său „57”The Mistons”A ieșit
din notele respective). Fără prea multă nevoie să-l împodobesc în narațiune,
filmul nu este alcătuit atât de multe dintre episoade, ci din fragmente
viața unui grup de copii, iar în mâini mai mici acest lucru ar putea avea cu ușurință
a amenințat că va intra într-un fel de versiune mare de „Copiii spun cele mai îndrăgite lucruri. ”
Dar orice concluzie de-a lungul acestor linii ar fi subestimarea sălbatică a abilității Truffaut. înclinare
chiar mai mult în docudrama decât „Copilul sălbatic”, acest film are un fel de
sentiment improvizat, sugerând că aceștia nu sunt actori (pe care ei
nu am fost), dar copii adevărați sărind pe ecran timp de câteva minute la un
timp. Din fericire copiii sunt minunați
Julien, asemănător lui Antoine Doinel, la interacțiunea aproape silențioasă - comedie-esque
între un copil de 2 ani și un pisoi lângă o fereastră periculos deschisă. Rareori
pentru un film în întregime despre copii (câțiva părinți sau profesori o fac
apar, dar ca jucători de susținere), este puțin
sentimentalizarea sau sfințirea copilăriei - aceasta este doar copiii
a fi copii, de la a spune povești murdare la care nu înțelegeți cu adevărat
învățând să se apere pentru ei înșiși. Lăsându-l pe copilul său să se alunge
ecranul este o propunere complicată, dar funcționează - cunoscut, Steven Spielberg, care a lucrat cu regizorul la scurt timp la „Întâlniri apropiate de un al treilea fel”, Susține că a învățat cum să direcționeze copiii datorită sfaturilor Truffaut.

„Camera verde” (1978)
lui Truffaut
cel mai mare dezastru financiar și un film mult mai albastru și mai întunecat decât
cea mai mare parte a lucrărilor sale este, de asemenea, una dintre cele mai bune, și cu siguranță una din a sa
cel mai mult subestimat. Adaptarea a două Henry James povesti scurte, 'Altarul Morților' și 'Fiara din Jungla', Acest film îl prezintă pe Truffaut însuși ca un jurnalist obsedat de moarte și un traumatizat supraviețuitor al Primului Război Mondial care întâlnește Cecilia (Nathalie Baye)
o femeie mai tânără care spânzură în același cimitir. Truffaut (care a fost
la numai șase ani distanță de propria trecere) devenise din ce în ce mai mult
preocupat de moarte, în special după trecerea Cinematheque
Regizorul francez Henri Langlois și prieten Roberto Rossellini și după ce ai urmărit „Shoot The Piano Player” și ai realizat că jumătate din
cei de pe ecran nu mai erau în viață. Întrebarea modului în care suntem ca a
societatea onorează morții a devenit un interes major al cineastului, care
a culminat cu această imagine de bântuire cu cheie joasă care pare să provină în întregime de la un alt regizor. Ca munca unui echitabil
ateu angajat, este o imagine extrem de plină de suflet și atentă
tratamentul său despre moarte și durere, dar marca sa umanitate nu este niciodată
departe de suprafață și legătura lentă, treptată, dintre Truffaut
Cecilia lui Julien și Baye și construirea împreună a unui altar sunt
unul dintre cele mai emoționante aspecte ale întregii opere a regizorului. Nodding to
Bergman în temă și la Tarkovsky în formă (fotografia prin frecvente
colaborator Nestor Almendros, care era compania lui Truffaut
un tarif mai „serios”, poate fi cel mai izbitor din oricare dintre filmele sale),
este un agent de profil definit în cariera sa și probabil cel mai puțin accesibil
film, dar este cu atât mai satisfăcător când petreci puțin timp cu el.

“; The Woman Next Door ”; (1981)

Truffaut a început anii '80 cu unul dintre cele mai mari succese ale sale
Aparat de box office, nominalizat la Oscar, multi-Cesar “;Ultimul metrou. ”;
Unii fani Truffaut vor crede că este o blasfemie, dar noi suntem de fapt
mai îndrăgit de urmărirea regizorului, a doua colaborare cu
stea Gerard Depardieu, relația hitchcockiană cu cheie scăzută
tragedie “; The Woman Next Door. ”; Dezvoltat dintr-un proiect necompletat din
la începutul anilor ’70 a numit “;Pe șine”; asta ar fi făcut echipă cu Jeanne Moreau
și Charles Denner și dezbrăcându-se cu ușurință despre mitul lui “;Tristan &
Isolde
, ”; filmul îl joacă pe Depardieu ca Bernard, a cărui existență cu al său
soție (Michele Baumgartner) și copiii sunt întrerupți atunci când un cuplu
mutați alături: noua mireasă a lui Philippe (Henri Garcin) este Mathilde
(Fanny Ardant în primul ei spectacol pe ecran mare: ea și Truffaut
au devenit romantici în timpul producției și au fost împreună
până la moartea sa), fostul său iubit dintr-un deceniu sau ceva mai devreme. A fost
în mod clar o aventură instabilă, pasională și cei doi încearcă să evite
reciproc inițial, dar este clar din modul în care nici unul nu menționează
istoria lor la soții respectivi că
ei vor sfârși atrasi unul de celălalt cu groaznic
consecințe pentru toți cei implicați. Povestit în mod aproape mitic de către persoanele cu handicap
Patronul clubului de tenis Madame Jouve (Veronique Silver), care poartă
cicatrici de o romantism rău înrăită (Truffaut a adăugat dispozitivul de încadrare în
post-producție și este greu de imaginat filmul fără el), este unul singur
cu cele mai întunecate imagini ale regizorului, care amintește de perioada târzie
Hitchcock și o încercare mult mai reușită de a captura maestrul ’; s
stil decât, să spunem, “;Mireasa purta negru, ”; complet cu un elegant tragic și
scenariu tăiat, și încadrare atentă, ajutată de grozav
Fotografiat de William Lubtchansky (“;holocaust”;). Și în Depardieu
(în jurul căruia Truffaut a vrut să construiască un film după ce a participat mai mic
“; The Last Metro ”;) și Ardant, Truffaut au avut două dintre cele mai bune
spectacole pe care le-a primit vreodată: fostul un bagaj prietenos
care își ține partea pasională închisă, acesta din urmă întorcându-se neputincios
ceva ce știe că va fi un dezastru.
filmul își găsește metafora perfectă în timp ce Depardieu și soția sa au auzit o
pereche de pisici care urlă: se luptă sau se fut? A ’; s a
linie fină în centrul uneia dintre cele mai multe
filme subevaluate în canonul Truffaut.

„Confidențialul tău” (1983)
Acest
este probabil o alegere controversată în anumite sferturi, dar vom fi alături
acesta: filmul final al lui Truffaut este incontestabil o lucrare minoră, dar
în retrospectivă se simte subestimat (inclusiv de Truffaut, care
a respins-o) și este poate cel mai mult pe deplin realizată și plăcută
experiment în crima noir. Bazat pe 'Noaptea lungă de sâmbătă' de Charles WIlliams (care a scris și cartea care „Foarte calm”A fost bazat pe), este o înțelepciune ascendentă a genului mister-thriller, care îl vede pe Barbara (Fanny Ardant), secretarul agentului imobiliar Julien (Jean-Louis Trintignant), mergeți pentru a șterge numele șefului ei atunci când este acuzat că a ucis-o pe iubita soției sale. Nodând mai mult cu ceva de genul „Omul subțire'
și chiar comedie cu șuruburi (Truffaut i-a cerut lui Ardant să-și îndeplinească liniile
la viteza maximă), este, de asemenea, o revenire la influența Hitchcock pe care a avut-o
a luat un loc din spate în acel moment. Dar întrucât „Mireasa purta negru'
uneori am simțit mai degrabă imitație decât omagiu, „În mod confidențial
Al tău ”se simte 100% ca o imagine Truffaut.
fotografia alb-negru imită mai multă autenticitate - pare adesea că ar putea fi o bijuterie pierdută dintr-o epocă anterioară care este
cumva doar au fost dezgropate. Este poate cu atât mai emoționant cu cât
filmul este în mod clar o scrisoare de dragoste profund simțită către Ardant. Truffaut a avut
relații cu multe dintre doamnele sale de frunte, dar niciuna nu este mai mult
plătit cu strălucire decât Ardant. In timp ce
este tentant să doresc ca Truffaut să-și încheie cariera pe o notă de valedictorie, ar fi greu să-l refuzi, chiar dacă nu a fost foarte distractiv.

Mentiuni onorabile: Ai putea argumenta că Truffaut nu a fost niciodată
am făcut un film cu adevărat rău, dar nu am avut timp să acoperim totul
aici (deși urmăriți acest spațiu pentru acea retrospectivă completă cândva
curând). Dar pe scurt, există, de asemenea, pantaloni scurți timpurii “;O vizita,”; “;
Factorii de răutăți
”; și “;O poveste de apăr ”; (acesta din urmă co-regizat cu
Godard), împreună cu 1961 ’; s “;Jocul armatei”; co-regizat cu Claude din
Givray
, și 1962 ’; s “;Antoine și Colette, ”; segmentul său al “;Dragoste At
Douăzeci
”; filmul Portmanteau și cel de-al doilea film din Antoine Doinel
secvenţă.

1966 ’; s Ray Bradbury adaptarea și debutul în limba engleză Truffaut “;Fahrenheit 451”; are o reputație de foc greșit, dar este încă un
o imagine interesantă și puternică, pe care a obținut-o în respect critic
anii. 1969 ’; s “;Sirena Mississippi, ”; isn ’; t
la fel de eficient ca “; Mireasa purta negru ”; și este cu siguranță unul dintre
cele mai puțin reușite proiecte ale regizorului, deși mai are elemente care
cânta, mai ales cântecul Jean-Paul Belmondo și Catherine
Deneuve.

Comparativ vorbind, 1979 ’; s “;Love On The Run”; se simte ca minorul,
clip-show-esque mai aproape de seria Doinel, dar 1972 ’; s “;Un astfel de superb
Puști ca mine
”; ar putea fi filmul său cel mai puțin demn, un amestec inegal de crimă
film și farsă care au momente puternice, dar nu funcționează în ansamblu.
1977 ’; s “;Omul care a iubit femeile”; funcționează mult mai bine ca comedie, dar are
îmbătrânește mai puțin bine decât unele dintre filmele regizorului, în timp ce 1980 ’; s “;Ultimul
metrou
”; este pentru unele dintre cele mai mari capodopere ale sale, dar pentru noi este
mai degrabă mai important de sine și de prestigiul conștient de sine decât
regia ’; s altă ieșire. Ceea ce crezi că ar fi trebuit să facă lista noastră?
Spuneți-ne în comentarii, „pentru că am putea vorbi cu Truffaut toată ziua. - Au fost Lyttelton, Jessica Kiang, Ben Brock









Top Articole